SIGO EN CASA. 57 - Primeros eremitas.

Los primeros eremitas fueron san Pablo el Ermitaño o San Pablo de Tebas y san Antonio Abad. Aquí los tenemos, al primero salido de los pinceles de José Ribera y lo podemos contemplar en el Museo del Prado y al segundo de las manos del malagueño Fernando Ortiz, del Museo de Bellas Artes de Málaga.

Hoy día que el maldito coronavirus nos obliga al aislamiento, no hay nada mejor que dedicarle una entrada a los primeros eremitas. Ellos, de manera voluntaria, se alejan del mundo con finalidades muy variadas. La principal, la ascética y espiritual, a la que me voy a referir en esta entrada. 

También hubo eremitas con carácter terapéutico entre el pueblo judío, e incluso por carácter social o político.

Nuestros dos primeros eremitas vivieron en los siglo III y IV, El primero (228-342), muere a los 114 años y el segundo (251-356), con 105. Su vida está narrada en la Leyenda Dorada de Jacopo de la Vorágine y nos cuenta cómo san Antonio Abad, por medio de un sueño, recibe la orden de ir en busca de Pablo de Tebas y llevarle la túnica que le entregara el obispo Atanasio, con la cual sería enterrado.

Velázquez en su obra San Pablo y San Antonio ermitaños del Museo del Prado nos cuenta muy bien la historia de estos primeros eremitas. 

La composición de esta  obra podríamos considerarla de carácter seriado, pues nos narra la historia de los dos ermitas con un tema principal, y cuatro más de carácter secundario. Es una obra de gran tamaño,  mide 261 cms de alto por 192,5 de ancho.

Las escenas se desarrollan en un paisaje de sierra, posiblemente Guadarrama, el típico paisaje velazqueño. En este paisaje predominan los colores fríos en el fondo, que dan sensación de espiritualidad, Más cálidos en la escena principal, es el calor de la oración y la amistad. En esta escena principal aparecen los dos eremitas, san Pablo con túnica clara y san Antón con hábito marrón y capa negra de los hospitalarios de san Antonio. En esta escena se puede ver a san Pablo dando gracias y a san Antonio sorprendido de que el cuervo aparezca  con una hogaza de pan.

En el cuadro se pueden ver cuatro escenas más. En dos de ellas, representadas al fondo, san Antonio Abad, pregunta por el camino a seguir a un fauno primero y después a un sátiro. En una tercera, san Antonio llama a la puerta  de la cueva de san Pablo.

 

En la última escena aparecen san Pablo muerto, san Antonio rezando por él y dos leones, que son los encargados de cavar la tumba.

Estas dos figuras han sido representadas innumerables veces. A Pablo de Tebas, como modelo de oración y paciencia. 

San Pablo. José de Ribera

San Pablo. Mattia Preti. Museo Cataluña

 San Antonio Abad, como protector de los animales, pero también se le considera patrono del ergotismo y cualquier enfermedad de la piel.
Ha sido muy representado por todos los artistas y de todas las épocas, sufriendo numerosas tentaciones sobre la lujuria, poder y riqueza.

 El Bosco. Museo del Prado

Teniers. Museo del Prado

Dali. Museo del autor en Figueras

Max Ernst. Museo de Lehmbruck

Diego Rivera. Museo Nacional de Arte.
Ciudad de Mexico

Si hemos empezado la entrada con una escultura de san Antonio Abad, obra de Fernando Ortiz, acabemos con otra escultura de san Antonio Abad de Juan de Juni del Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

ME QUEDO EN CASA. 49 - Los Mayos

LOS  MAYOS

Desde los tiempos más antiguos, el hombre ha observado a la naturaleza y ha realizado fiestas en su honor. Los equinoccios, los solsticios, la floración, la germinación, la recogida de las cosechas, todo tenía sus rituales. En el Museo Van Gogh de Amsterdam, se puede contemplar una obra de este autor, relacionada con la cosecha.

La Cosecha. Van Gogh. Fuente wikidata

Los celtas celebraban fiestas en honor al sol en los primeros días del verano, el solsticio. A partir de este momento, el sol pierde fuerza y ellos lo reanimaban con fiestas en las que el fuego revitalizador era fundamental. El gran monumento megalítico de Stonehenge, es un monumento megalítico, en el que el sol, en los solsticios juega papel primordial. Son las fiestas de Litha

En otoño, se celebra la recogida de las cosechas. Eran las fiestas de Mabón para los celtas. Daban gracias al dios y este se preparaba para descansar y se disponía a morir lentamente y renacer con el solsticio de invierno en las fiestas de Yule, cuando los días empezaban a crecer. Es una fiesta nórdica de larga duración y la iglesia católica la asoció a las Fiestas de Navidad. 

La primavera para los celtas, estaba consagrada a Ostara, divinidad de la aurora, de la luz, de la resurrección. La obra que aparece es de Frederick Stuart, representa la fiesta de Ostara. 
Fuente: WahooArt,com

La Iglesia, supo adaptar todas las fiestas profanas a la religiosidad cristiana.
Solsticio de verano, con la Noche de San Juan.  Equinoccio de otoño con San Miguel, protector e iniciador del año agrícola. 
Solsticio de invierno, nuestra Navidad.
El equinoccio de primavera con la Semana Santa y la Resurrección.

Para los celtas existían cuatro fiestas intermedias:

- Lughnasadh, en agosto. Fiesta de la maduración de las cosechas. Para los cristianos, es la Bendición de los Campos. 
Representada esta fiesta en la obra de Salvador Viniegra de 1887. Se puede contemplar  en el Museo de Málaga, cedida en depósito por el Prado. Como nota curiosa diremos que es la obra de mayor tamaño de este museo, pues mide 345 X 595 centímetros, es decir más de 20 metros cuadrados.

- Samhain en noviembre.  Festividad de los espíritus. Para cristianos, fiesta de Todos los Santos y Fiesta de Difuntos.

- Imbolc en febrero. Fiesta del fuego. Entre los cristianos, fiesta de las candelas, Candelaria.

- Beltaine o Beltane, en mayo. Fiesta de la fertilidad.

Esta última, la Fiesta de Beltaine o Beltane, es el origen de Los Mayos como fiesta de primavera. Los fenicios celebraban su llamada fiesta de Mayumea, equivalente a la celta de Beltane. La misma fiesta, los romanos la dedicaban a Maya, diosa de la fertilidad. También Flora recibía su homenaje en la llamada Floralia, que se celebraba del 28 de abril, hasta las calendas de mayo.
Quien mejor representó esta fiesta, desde el punto de vista artístico, fue  Sandro Botticelli, en su bellísima obra Alegoría de la Primavera.

En la Hispania romana, la protagonista era la diosa Bona Dea. Era una diosa asociada con la virginidad y la fertilidad femenina. También estaba asociada con la curación: muchos enfermos eran tratados en su templo con hierbas medicinales, equivalente a la Maya romana.

Bona Dea. Fuente Arcana Mundi

Bona dea. Fuente: Maternalia.
Maternidad a través de la historia

Estas fiestas, el cristianismo la convierten en el Mes de María y Cruces de Mayo, y numerosas romerías en honor a Ella. (Esto queda para otra entrada más adelante).

Por lo tanto, los Mayos son fiestas ancestrales que se siguen celebrando en todos los países europeos.

En el centro y norte de Europa se les conoce con el nombre de Noche de Walpurgis (noche de las brujas). Es una fiesta cristiana en honor a santa Walpurga, abadesa francesa del siglo VIII. Muy venerada por los alemanes que le dedican hogueras,la noche del 30 de abril.
Protectora contra las plagas, la rabia, la tosferina y la brujería

En Inglaterra Fiesta de  Maypole (vara o palo de Mayo).  Son fiestas que se celebran la noche del 30 de abril, se canta y se baila en torno a un palo o árbol plantado en la plaza y ornado con flores y cintas. 
En otros lugares son desfiles de niños y jóvenes adornados con flores o portando arcos o guirnaldas, que en muchos lugares, como Grenoble, son el origen de las fiestas florales. En Italia es costumbre cantar “Il Maggi”, coplillas amorosas que los jóvenes cantan a sus enamoradas la noche del 30 de abril.

En España, Los Mayos se convierten en fiestas de primavera en las que canciones, concursos florales, recitales poéticos, cucañas, etc. abundan en nuestra geografía. Los mayos, como canción popular, son famosos los de la zona manchega y andaluza.

Mayos de Pedro Muñoz (Ciudad Real)

Son famosos  los concursos mayeros de Albarracín. Se les canta a chicas solteras en versos, con más de veinte estrofas, que las describen desde los pies a la cabeza. 
Segun la tradición, si a la chica le gustaba el mozo y le gustaba lo que le había cantado, al día siguiente salía con la mantilla muy bien colocada. Si era todo lo contrario, salía con la mantilla puesta de cualquier manera y al revés.

 Hay variaciones con quema de muñecos satíricos hechos con trapos viejos, es el caso de Alhama de Murcia o algunos pueblos extremeños.

 

Por el norte, se planta el Mayo siguiendo la tradición celta. Es muy conocida la famosa Pingada de mayo de muchos pueblos sorianos como San Leonardo de Yagüe o  Vinuesa. 

Hoy día todos tienen un marcado carácter religioso, pues los primeros mayos, sean canciones, flores o cualquier otra cosa, están dedicados a la Virgen, para después tomar un carácter más profano y popular. Sirva de muestra la letra que se cantó anoche en Santisteban del Puerto, desde todos los balcones del pueblo.

30 de Abril 2020

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“Mayo, mayo mes de mayo.
Mayo, mayo mes de mayo.
El de las recias calores.
El de los toritos bravos,
los caballos corredores.
El de los toritos bravos,
los caballos corredores.

Madre mía del Collado.
Madre mía del Collado.
Te pedimos con fervor.
Nos des cobijo en tu manto 
y nos des tu bendición.
Nos des cobijo en tu manto 
y nos des tu bendición.

Morenita del Collado.
Morenita del Collado.
Paloma en su palomar
vuela hasta mi corazón,
donde podrás anidar.
Vuela hasta mi corazón,
donde podrás anidar.

Después del mayo a la Virgen.
Después del mayo a la Virgen.
El tuyo ha sido el primero

Para que luego no digas,

para que no digas luego.

Para que luego no digas,

para que no digas luego

Después de cada estrofa, se canta el estribillo, haciendo bis, que dice:

"Dónde está la capa que me tapa

dónde está el sombrero que yo quiero

dónde está la niña bonita

que por ella me muero

Se hizo así por culpa del coronavirus, siempre se cantan en la Iglesia de Santa María, primero al pie de la Virgen, después en el exterior. Acompañados por la banda, se dirigen a la Mayordomía, después a casa del alcalde, para continuar en casas de mocitas solteras, como ronda de la noche.

ME QUEDO EN CASA. 42 - La cara màs tierna de Picasso

El título de la entrada, es el de un articulo de ABC Cultura de Sevilla, publicado el 4 de diciembre de 2017, que he tenido la suerte de encontrarme. Estaba perdido. No sabía qué hacer y el artículo me ha dado pie para esta entrada.

La Galería Gagosian de París, celebró una exposición con ese título. a finales de 2017. La exposición estaba comisionada por Diana Widmaier Picasso como historiadora de arte. Diana es hija de Maya y nieta de Pablo Picasso. Como dice el periódico, Todo queda en familia.

Por mi compromiso hecho al iniciarse el confinamiento; por sentirme malagueño (aunque sea por adopción); por la que fue mi profesión; y por mil cosas más, me siento obligado a hablar de Picasso. Sé que es una osadía. Pido mil perdones al Museo Picasso, a los muchos entendidos sobre este autor y a malagueños en general.

En el desarrollo de la entrada, voy a modificar un poco el título: 

La cara más tierna de Picasso y su sufrimiento por otras causas.

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En 1927 Picasso conoce a una joven rubia, de 17 años, sueca, ojos azules: Marie-Thérèse Walter.

Él está casado con  Olga Khokhlova, bailarina del Ballet Ruso, tienen un hijo, Paul. Pese a todo, salta el amor extraconyugal. 

Conoce a Marie-Thérèse y ve en ella a su musa. Pronto serán  amantes.

Supuso una erupción de creatividad en su carrera. La pintó y esculpió obsesivamente en innumerables obras, siempre voluptuosa, sensual, con pinceladas curvas e insinuantes, en un principio; como modelo del puro cubismo, después; la tratará en versiones eróticas y surrealistas; y en la más pura abstracción.

 

De este amor nace María Concepción un cinco de septiembre de 1935. Pasará a llamarse Maya Picasso. 
Maya será su amor, su musa, su alegría.

La propia Maya dijo en alguna ocasión:  «Cuando me cogió en brazos se dio cuenta de que tenía una réplica exacta de su cara en sus manos». 

Era cierto. 

La eligió como modelo en numerosas ocasiones. Ella, le hacía poner la cara más tierna a Picasso.

Maya siempre recordará a su padre como un padre ausente, pero cariñoso. Siempre que estaba con ella, rían, jugaban, disfrutaban los dos, pero él se ausentaba.

Es el último lustro de los años treinta. Es el lustro de la horrible Guerra Civil. Siempre le he inculcado a mis alumnos, que la crueldad de esa guerra está en el nombre, pero la máxima crueldad está en el apellido.

Esto explica el cambio de título a la entrada. Picasso era feliz con María Teresa y su hija Maya. 

Las ausencias de las que siempre habló Maya, son seguro ausencias provocadas por esa crueldad de la guerra.

Se alejará de Maria Teresa, nunca de su hija Maya. Buscará consuelo en otra musa, la fotógrafa Dora Maar, que inmortalizara el proceso de creación más triste para Picasso:

 El Guernica.

Se puede observar esa tristeza en los bocetos de preparación para la gran obra, pero también en otras, en las que refleja la tragedia, la carestía, el hambre, que le vendrá a su país, nuestro país, tras la guerra.

                                             

La bibliografía consultada para textos y fotos:

ABC de Sevilla.

monografías.com

historia-arte.com

www.museoreinasofia.es

Picasso, genio innovador. Domingo Sánchez-Mesa Martín.

ME QUEDO EN CASA. 37 - El Juicio de Paris

Hoy he elegido un tema mil veces representado, el Juicio de Paris. Como es natural no he elegido el más conocido. (Todas las fotos están sacadas de internet. Espero no tener problemas, como los que están surgiendo en entradas anteriores. Procuraré  decir, en rojo, de dónde están sacadas)
Comienzo con el ejemplo más simpático de este juicio, una obra de Federico Jiménez Fernández, amante de la naturaleza y que elige a los animales como protagonistas. Foto de la web del Museo del Prado

Todo empieza con una boda, la de Tetis y Peleo, con montones de invitados, tanto dioses como mortales.  A la boda no había sido invitada la diosa Eris  y haciendo honor a ella misma, sembró la discordia. Dejó en la mesa del banquete una manzana, con un mensaje: ...para la más bella. Hera, Atenea y Afrodita, se la disputaban.

Zeus puso orden, eligió a un joven mortal para que decidiese, un joven que hubiese estado alejado de las pasiones, para que fuese imparcial. El elegido fue el príncipe troyano Paris.

Pese a su divinidad, las diosas eran más pasionales que los propios humanos, las tres intentaban ser la más bella y empezaron las ofertas. Hera le ofrecía a Paris el poder; Atenea la sabiduría; Afrodita el amor de la mujer más bella.

En algunas interpretaciones de este juicio aparece la figura de Hermes, al que el joven Paris pide consejo. Pedro Pablo Rubens lo incorpora en todos. (Fotos web Prado y Arte Historia).

Esta leyenda mitológica, además de servir a Homero de argumento para la Ilíada, ha sido motivo de inspiración  para muchos artistas y en amplia variedad de materiales. 

En la época griega, vemos cerámicas con este tema. En este caso en el tipo de cerámica, llamada de figuras negras. (Wikipedia).

En la musivaria, aparece muchas veces. La entrada tres de este confinamiento, está dedicada al Mosaico de los Amores de Cástulo. Uno de sus temas es el Juicio de Paris, el otro, Selene y Endimión. Volver a ver

Es en el género de la pintura  donde más se ha repetido el tema. Hay autores como Rubens, que ha sido tema preferido y lo ha repetido muchas veces. El Prado tienes varias versiones. Sus famosas  Tres Gracias, están inspiradas, sin lugar a duda, en las tres diosas del juicio.

Botticelli, realizó una versión muy bucólica. Nos presenta un paisaje idílico, muy usual en este autor. (web dominio público)

También Lucas Cranach (Foto Google Arts & Culture) y Juan de Juanes(Small Berge Paris), hicieron sus versiones.

Artistas más cercanos en el tiempo, nos van dejando su interpretación. Uno de ellos es Pierre-Auguste Renoir, pintor impresionista, que dentro de esta corriente es el más tradicional. (Wikipedia).

Ernst Ludwig Kirchner, nos deja su versión expresionista de la obra, en la que también se observan líneas que nos recuerdan otras corrientes, A esta obra, también se le conoce con el nombre de Las Putas de Kirchner. (Wikimedia Commons).

Acabamos el  recorrido con el Juicio de Paris del joven colombiano Darío Ortiz Robledo. Escritor y autodidacta en la pintura. Sus obras son de un neorrealismo asombroso. (Galería Duque Arango).

                                         

Enrique Simonet
 Enrique Simonet nace en Valencia en 1866. Se formó en Valencia y Málaga con Ferrandiz. Viajó a Roma como becario. Allí realizó una de sus mejores obras, ¡...y tenía corazón! (web Prado).
Viajó a Marruecos como corresponsal de guerra. En 1901 consiguió la Cátedra. en Barcelona. Muere en Madrid en 1927 como Catedrático de la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado.

El Juicio de Paris. Museo de Málaga

Se desarrolla en un paisaje, al que no vamos a llamar bucólico, es el típico paisaje mediterráneo, con olivos cercanos al mar, adelfas de rico colorido, una parra que protege con su sombra y cabras, cabras malagueñas, que desempeñan un importante papel en el cuadro, ya que aparecen como los principales espectadores de la escena  esperando el final del juicio.

La luz en esta obra es hasta sorprendente, Simonet nos trae la luz mediterránea, es una luz que sorprendió a sus compañeros y hasta el propio Sorolla la alabó.

Los personajes. El centro de la composición lo ocupa Afrodita, la que recibirá la manzana, luciendo su cuerpo desnudo, es pura vanidad, resaltada esta vanidad por el plumaje abierto del pavo real, que es en  realidad  símbolo de Hera, que aqui queda en un segundo plano. Atenea, es la virginidad, el recato, el pudor y aqui lo muestra cubriendo su desnudez de manera pudorosa.

Eros, aparece a los pies de Afrodita. Algunos piensan que es hijo de Afrodita y Ares, otros de Nicte y Erebo. Eros representa al amor, el sexo, la fertilidad, en esta obra, con alas rojas que expresan pasión.

Paris, dubitativo, con mirada libidinosa, abrazado al macho cabrío, expresión de virilidad.

El color y el dibujo  perfectamente utilizados por Simonet. El desnudo de Afrodita, con sus líneas suaves y el color nacarado, de suaves toques rosados, de su cuerpo, despiertan el deseo. Paris, cubierto con una piel de leopardo, deja al descubierto parte de su espalda, en la que el color expresa fuerza y libertad.

En esta obra los modelos fueron su propia familia, mujer e hijos. Jamás se deshizo de ella, siempre la tuvo en el salón de su casa. Uno de sus descendientes la vendió a la Junta de Andalucía con la condición de que pasase al Museo de Málaga.