ME QUEDO EN CASA. 43 - Giorgione. Il Tramonto

La tempestad. Galería de la Academia. Venecia

Existen  cuadros enigmáticos a lo largo de la Historia del Arte, pero uno de los que se llevan la palma es el de La Tempestad. Es enigmático por que cada uno ve lo que quiere o lo interpreta como quiere.

Su autor Giorgio Barbarelli da Castelfranco, más conocido como Giorgione.

Fue un encargo hecho por Grabriel Vendramin. está firmado y lo terminó en 1508. ¿Que representa? Aquí está el problema.

Para unos es una escena bíblica: Adán y Eva. Moisés salvado de las aguas. Una Madonna.

Para otros,  mitológico: la infancia de Paris.  El mito de Deméter y Yasión.

En el inventario familiar aparece como Mercurio e Isis.

Hay quien lo ve como un autorretrato familiar.

Marcantonio Michiel, coetáneo con el autor y la obra, lo llamó "Pequeño paisaje con tempestad, gitana y soldado".

Mi opinión particular, es que me quedo con esa primera visión que dio Michiel, pero abreviando, le llamaría simplemente "Paisaje con figuras".

"Le Dejeuner sur l´Herbe". Museo d´Orsay

La Escuela Veneciana y en particular Giorgioni, son los creadores del auténtico paisaje y si nos fijamos, hay muchas obras así tituladas, paisaje con figuras.

Algunas, como la de Edouard Manet, que titula "Le Dejeuner sur l´Herbe" tiene muchos puntos en común con Giorgione paisaje, desnudos femeninos, hombres vestidos, solo falta la tormenta y las arquitecturas.

No es mi objetivo de hoy comentar La tempestad de Giorgione.

 Para más información consultar:

temasycomentariosartepaeg.blogspot.com
www.artehistoria.com

Fiesta Campestre. Museo del Louvre

La vida de este pintor es poco conocida. Coetáneo de Tiziano, que era un poco más joven que él. Trabajaron juntos, incluso Tiziano acabó obras de Giorgione, cuando éste murió con tan solo treinta y tres años.

Son tan parecidos que hay obras que no se saben de quien son. Esto es lo que ocurre con la Fiesta Campestre, del Museo del Louvre, que pudo ser iniciada por Giorgione y acabada por su amigo Tiziano.
Otro tanto con  la Venus de Dresde.
Esta dualidad con Tiziano, su pronta muerte, la gran cantidad de interpretaciones que pueden dársele a su obra, han dado pie al  llamado  enigma de Giorgione.

Venus dormida. Museo de Dresde

Tramonto. National Gallery de Londres

Il Tramonto, en castellano el ocaso o el atardecer. El nombre se debe a Robert Longhi cuando empezó a estudiarse, en profundidad,  esta obra. Pertenece a la National Gallery desde 1957. El historiador y restaurador Cecil Gould, fue quien le dio la interpretación actual y se le asignó el nombre de San Roque, San Jorge y San Antón. Es un óleo sobre lienzo. Medidas aproximadas 91 X 73.

I

Es la obra elegida para comentar, aunque nunca estaremos seguros de su autenticidad, ni de su interpretación.

Fue realizada entre 1505 y 1508 y se puede pensar que como homenaje al fin de la epidemia de peste que asoló Venecia en 1504. Curiosamente el artista moriría de la misma enfermedad diez años después.

Como ocurre en la Tempestad, es un paisaje con figuras; dos figuras separadas por un arroyo; una ciudad al fondo; un cielo no tormentoso, aunque sí con nubes, y un bello atardecer con los colores típicamente venecianos.

En el centro del cuadro y en  primer plano, aparece San Roque, sentado al principio del camino, para que su ayudante Gotardo le cure una herida en la pierna. Siguiendo el camino y cruzando el puente, nos encontramos a San Jorge que, con perdón, aquí no pinta nada, pues fue agregado en una restauración de 1934 y se le cambió el título a la obra. Detrás del caballo, los que tengan buena vista, podrán distinguir a San Antón saliendo de su gruta de eremita. 

Los dos santos se consideran protectores,  de la peste San Roque, del ergotismo San Antón.

Esta obra está realizada sobre lienzo. Los venecianos fueron los primeros en abandonar la tabla y utilizar el lienzo, pues era mucho más fácil su transporte.

No hay boceto previo, se va tratando el tema directamente a través de la aplicación del color. La riqueza cromática será una de las características de la escuela veneciana.

Giorgione es el creador del paisaje. Ya lo hemos dicho antes, es el creador del paisaje con figuras y no figuras en un paisaje.

Convierte un tema religioso en un tema profano. 

Se adapta a variadas interpretaciones.

Para terminar, lo hago con otra obra auténtica, es decir que, como La tempestad, se puede asegurar que es de Giorgione. Se encuentra en su ciudad natal de Castelfranco. Fue encargada por el condottiero local como retablo o pala de altar, ee el lugar que estaba sepultado su hijo.

Palla de Castelfranco

Virgen con Santos. Iglesia de san Libero. Castelfranco.

ME QUEDO EN CASA. 42 - La cara màs tierna de Picasso

El título de la entrada, es el de un articulo de ABC Cultura de Sevilla, publicado el 4 de diciembre de 2017, que he tenido la suerte de encontrarme. Estaba perdido. No sabía qué hacer y el artículo me ha dado pie para esta entrada.

La Galería Gagosian de París, celebró una exposición con ese título. a finales de 2017. La exposición estaba comisionada por Diana Widmaier Picasso como historiadora de arte. Diana es hija de Maya y nieta de Pablo Picasso. Como dice el periódico, Todo queda en familia.

Por mi compromiso hecho al iniciarse el confinamiento; por sentirme malagueño (aunque sea por adopción); por la que fue mi profesión; y por mil cosas más, me siento obligado a hablar de Picasso. Sé que es una osadía. Pido mil perdones al Museo Picasso, a los muchos entendidos sobre este autor y a malagueños en general.

En el desarrollo de la entrada, voy a modificar un poco el título: 

La cara más tierna de Picasso y su sufrimiento por otras causas.

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En 1927 Picasso conoce a una joven rubia, de 17 años, sueca, ojos azules: Marie-Thérèse Walter.

Él está casado con  Olga Khokhlova, bailarina del Ballet Ruso, tienen un hijo, Paul. Pese a todo, salta el amor extraconyugal. 

Conoce a Marie-Thérèse y ve en ella a su musa. Pronto serán  amantes.

Supuso una erupción de creatividad en su carrera. La pintó y esculpió obsesivamente en innumerables obras, siempre voluptuosa, sensual, con pinceladas curvas e insinuantes, en un principio; como modelo del puro cubismo, después; la tratará en versiones eróticas y surrealistas; y en la más pura abstracción.

 

De este amor nace María Concepción un cinco de septiembre de 1935. Pasará a llamarse Maya Picasso. 
Maya será su amor, su musa, su alegría.

La propia Maya dijo en alguna ocasión:  «Cuando me cogió en brazos se dio cuenta de que tenía una réplica exacta de su cara en sus manos». 

Era cierto. 

La eligió como modelo en numerosas ocasiones. Ella, le hacía poner la cara más tierna a Picasso.

Maya siempre recordará a su padre como un padre ausente, pero cariñoso. Siempre que estaba con ella, rían, jugaban, disfrutaban los dos, pero él se ausentaba.

Es el último lustro de los años treinta. Es el lustro de la horrible Guerra Civil. Siempre le he inculcado a mis alumnos, que la crueldad de esa guerra está en el nombre, pero la máxima crueldad está en el apellido.

Esto explica el cambio de título a la entrada. Picasso era feliz con María Teresa y su hija Maya. 

Las ausencias de las que siempre habló Maya, son seguro ausencias provocadas por esa crueldad de la guerra.

Se alejará de Maria Teresa, nunca de su hija Maya. Buscará consuelo en otra musa, la fotógrafa Dora Maar, que inmortalizara el proceso de creación más triste para Picasso:

 El Guernica.

Se puede observar esa tristeza en los bocetos de preparación para la gran obra, pero también en otras, en las que refleja la tragedia, la carestía, el hambre, que le vendrá a su país, nuestro país, tras la guerra.

                                             

La bibliografía consultada para textos y fotos:

ABC de Sevilla.

monografías.com

historia-arte.com

www.museoreinasofia.es

Picasso, genio innovador. Domingo Sánchez-Mesa Martín.

ME QUEDO EN CASA. 40 - La Túnica de José

He tomado esta imagen de Arte Historia y es la que vamos a comentar. Estoy saliéndome de las normas. Es una obra muy conocida y su autor no digamos.

Nuestro gran pintor Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, fue grande desde sus orígenes, pero a lo largo de su vida fue evolucionando y siempre mejorando.

Web Museo del Prado

En 1628 conoce a Rubens que le anima a viajar a Italia, cosa que hace en 1629 y allí permanece dos años. Conocerá las grandes obras de la Roma Clásica, pero también las de los grandes renacentistas como Bramante, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael. Incluso a los pintores venecianos y boloñeses.

Durante este viaje realiza La Túnica de José y La Fragua de Vulcano, dos obras en las que hay muchas similitudes y en las que se puede ver la evolución del artista.
Cambia la luz con relación a su primera época. Ahora es más natural y menos tenebrista.
Muestra, en ambas, cuerpos desnudos, en los que realiza perfectos estudios anatómicos y calidades en las encarnaciones, a través del color.
Expresiones muy bien estudiadas con relación al tema, en uno religioso, en el otro, mitológico. En los dos, la envidia y los celos son las emociones que causan el revuelo.

Podemos encontrar cosas comunes y me he permitido recortar trozos, para mostrar las similitudes.

Antes de comentar la obra, vamos a dedicarle un ratito al cotilleo y que nos perdone Dios.
Jacob, huyendo de la furia de su hermano Esaú, se marchó con su tío Labán y éste lo engañó. Jacob, estaba muy enamorado de su prima Raquel, y ofreció a su tío siete años de trabajo como dote, para casarse con ella.
 Labán lo engañó y lo casó con Lea. A cambio de otros siete años de trabajo, Jacob consiguió a Raquel.
Con ellas y sus esclavas tuvo doce hijos, que serían las doce tribus de Israel.
Con Lea tuvo seis hijos: Rubén, Simeón, Leví, Judá, Isacar y Zabulón.
Con Bilha, esclava de Raquel, tuvo dos: Dan y Neftalí.
Con Zilpa, esclava de Lea, otros dos: Gad y Aser.
Por fin, Dios Todopoderoso, quiso que con Raquel tuviese a José y Benjamín. Siempre fueron los favoritos de Jacob, por ser los hijos de su amada.

La Túnica de José. Óleo sobre lienzo de 213X284 cms. Pertenece a la Colección Real, pero no está en el Prado, pues al tratarse de un tema religioso, pronto fue trasladado al Monasterio del Escorial, donde se puede contemplar.

La escena
Jacob recibe la falsa noticia de la muerte de José, que se la traen cinco de sus propios hijos. Certifican la noticia mostrándole su túnica ensangrentada. El motivo la envidia y los celos. No soportaban el favoritismo del padre. Ellos pensaron matar a José. No lo hicieron. Lo encerraron en una cisterna sin agua y al final se deshacen de él vendiéndolo a unos mercaderes egipcios.
Aparecen en la escena Jacob y cinco de sus hijos; dos de ellos,  abocetados sobre un fondo que podría equivaler a una ventana o puerta sin fondo de paisaje. Lo que se percibe es que esa zona Velazquez no la llegó a terminar. No se atuvo al refrán de "no dejes para mañana lo que puedas hacer hoy".
La sexta figura, es la de un precioso perro.
El suelo embaldosado, la alfombra, los cayados en scorzo, caídos en el suelo, dan la perspectiva lineal.

La luz y el color
Con la luz que proviene de la zona donde se encuentra el espectador, junto con el color que es magnífico, marcan a través de los pliegues de los ropajes, los volúmenes. En las dos figuras abocetadas, no marcan nada. Se refuerza la idea de inacabado.
Los colores azules de la túnica de Jacob y la faldilla del que está de espaldas; los rojos variados de la alfombra; el paisaje que se contempla entre las figuras y que da gran profundidad, todo es clara influencia de la escuela veneciana.
Las encarnaciones nos permiten contemplar perfectos estudios musculares (mirar detalles de las piernas). Velázquez, tenía muy en su mente a Miguel Ángel

Las expresiones
El dolor de Jacob se expresa mas que con la expresión del rostro, con el hecho de arrojar el cayado e intentar levantarse.
La mentira, se puede entender mirando las caras de los que presentan la ropa, no hay seguridad, temen ser descubiertos. El que está de espaldas parece que intenta llorar para corroborar la pena.
El perro, es el único que descubre la mentira.

La composición
Pese a ser artista plenamente barroco, no hay alardes de este tipo en la composición. El centro lo ocupa la ropa de José, que sin estar,  es el personaje principal. Esto es lo más barroco.

¿Qué pasa con José?
Marcha a Egipto. Allí interpreta los sueños del faraón. Se hace famoso. Años de carestía en Canaán, los hermanos de José van a Egipto a por trigo. No lo reconocen...Esto es otra historia.
Veamos las imágenes de esa otra historia en la obra del artista cordobés, contemporáneo de Velázquez,  pero mucho menos conocido, Antonio del Castillo.

Son seis imágenes de la web del Museo del Prado:

José y sus hermanos.  
José vendido por sus hermanos.  
José interpreta los sueños al faraón. 

El triunfo de José.   
La castidad de José.  
José ordena la prisión de Simeón.

 

ME QUEDO EN CASA. 36 - Nastagio degli Onesti

Esta entrada va hoy de leyenda, para ello hemos escogido  una obra de literatura y una pintura.

Literatura El Decamerón de Bocaccio. La pintura vendrá más tarde, aqui vemos una obra famosa de su autor,  Sandro Botticelli.

Aquí iba una foto, sacada de internet, del Nacimiento de Venus  de Boticelli.

La habré sacado de alguna página celosa de su contenido. Pido Perdón.

Pondré esta de la Vanguardia.

Boccaccio, en el Decamerón cuenta la historia de diez jóvenes de Florencia, siete mujeres y tres hombres, que huyen de una epidemia (esto me suena una barbaridad, no fue el coronavirus, fue la peste de 1348). 

Se refugian en el campo durante un periodo de tiempo, 14 días. Para hacerlo más llevadero proponen, contarse diariamente cuentos por turno, salvo los sábados y domingos.

En la jornada quinta y en el cuento octavo "El infierno de los amantes crueles" podemos leer:

…sucedió que un viernes, casi a la entrada de mayo, haciendo un tiempo buenísimo, y empezando él a pensar en su cruel señora, mandando a todos sus criados que solo le dejasen, para poder pensar más a su gusto, echando un pie delante de otro, pensando se quedó abstraído.

Y habiendo pasado ya casi la hora quinta del día, y habiéndose adentrado ya una medía milla por el pinar, no acordándose de comer ni de ninguna otra cosa, súbitamente le pareció oír un grandísimo llanto y ayes altísimos dados por una mujer, por lo que, rotos sus dulces pensamientos, levantó la cabeza por ver qué fuese, y se maravilló viéndose en el pinar; y además de ello, mirando hacia adelante vio venir por un bosquecillo bastante tupido de arbustillos y de zarzas, corriendo hacia el lugar donde estaba, una hermosísima joven desnuda, desmelenada y toda arañada por las ramas y las zarzas, llorando y pidiendo piedad a gritos; y además de esto, vio a sus flancos dos grandes y feroces mastines, los cuales, corriendo tras ella rabiosamente, muchas veces cruelmente donde la alcanzaban la mordían; y detrás de ella vio venir sobre un corcel negro a un caballero moreno, de rostro muy sañudo, con un estoque en la mano, amenazándola de muerte con palabras espantosas e injuriosas.

La historia continúa

…mirando a la mísera joven, se puso a esperar lleno de pavor lo que iba a hacer el caballero, el cual, terminada su explicación, como un perro rabioso, con el estoque en mano se le echó encima a la joven que, arrodillada, y sujetada fuertemente por los dos mastines, le pedía piedad; y con todas sus fuerzas le dio en medio del pecho y la atravesó hasta la otra parte. Cuando la joven hubo recibido este golpe cayó boca abajo, siempre llorando y gritando; y el caballero, echando mano al cuchillo, le abrió los costados y sacándole fuera el corazón, y todas las demás cosas de alrededor, a los dos mastines las arrojó; los cuales, hambrientísimos, incontinenti las comieron; y no pasó mucho hasta que la joven, como si ninguna de estas cosas hubiesen pasado, súbitamente se levantó y empezó a huir hacia el mar, y los perros siempre tras ella hiriéndola, y el caballero volviendo a montar a caballo y cogiendo de nuevo su estoque, comenzó a seguirla.

¿Qué planea el joven Nastagio?
Propone a sus amigos:

Muchas veces me habéis animado a que deje de amar a esta enemiga mía y ponga fin a mis gastos: y estoy presto a hacerlo si me conseguís una gracia, la cual es ésta: que el viernes que viene hagáis que micer Paolo Traversari y su mujer y su hija y todas las damas parientes suyas, y otras que os parezca, vengan aquí a almorzar conmigo. Lo que quiero con esto lo veréis entonces.


Y lo vieron.

Estas tres escenas de Nastagio degli Onesti, se conservan en el Museo del Prado.
En la primera escena, aparece el protagonista, Nastagio, tres veces. En el fondo, comunicando a sus amigos que se retira a pensar; en un primer plano aparece cabizbajo pensando en el rechazo de la amada; y en el mismo plano cuando va a coger un palo para defender a la perseguida.
En la segunda, ve horrorizado que no puede hacer nada por la mujer perseguida por los perros. Su perseguidor le arranca el corazón y se lo lanza a los perros. Al fondo la escena comienza a repetirse.
La tercera escena es el plan de Nastagio: Invitar a su amada a un banquete en el bosque donde la escena se repite constantemente. A la derecha y alejado se ve a Nastagio recibiendo la noticia de que su amada lo acepta.
Hay una cuarta escena, que no la posee el Prado y es el banquete de celebración del enlace de Nastagio con au prometida. Esta escena se creía perdida y sigue estando en la colección del Palacio Pucci, que fue propiedad de los protagonistas de la historia. Historia con final feliz, lo que no sabemos es si en el banquete se comieron perdices.

Las tres escenas del Prado llegaron a él en 1941. Donadas por Francesc Cambó. Se ha dudado mucho de la autoría, pues estudiándolas en profundidad, incluso a través de radiografías, se ha visto que hay muchas diferencias en cuanto al paisaje. La conclusión final es que los diseños y la mayore parte de las figuras, son de Botticelli, pero que tuvo gran ayuda de sus alumnos.

La cuarta escena es en la que más se duda de la autoría de Botticelli.

Conozcamos a Botticelli en un supuesto autorretrato que se hace en la obra Adoración de los Reyes Magos