SIGO EN CASA. 57 - Primeros eremitas.

Los primeros eremitas fueron san Pablo el Ermitaño o San Pablo de Tebas y san Antonio Abad. Aquí los tenemos, al primero salido de los pinceles de José Ribera y lo podemos contemplar en el Museo del Prado y al segundo de las manos del malagueño Fernando Ortiz, del Museo de Bellas Artes de Málaga.

Hoy día que el maldito coronavirus nos obliga al aislamiento, no hay nada mejor que dedicarle una entrada a los primeros eremitas. Ellos, de manera voluntaria, se alejan del mundo con finalidades muy variadas. La principal, la ascética y espiritual, a la que me voy a referir en esta entrada. 

También hubo eremitas con carácter terapéutico entre el pueblo judío, e incluso por carácter social o político.

Nuestros dos primeros eremitas vivieron en los siglo III y IV, El primero (228-342), muere a los 114 años y el segundo (251-356), con 105. Su vida está narrada en la Leyenda Dorada de Jacopo de la Vorágine y nos cuenta cómo san Antonio Abad, por medio de un sueño, recibe la orden de ir en busca de Pablo de Tebas y llevarle la túnica que le entregara el obispo Atanasio, con la cual sería enterrado.

Velázquez en su obra San Pablo y San Antonio ermitaños del Museo del Prado nos cuenta muy bien la historia de estos primeros eremitas. 

La composición de esta  obra podríamos considerarla de carácter seriado, pues nos narra la historia de los dos ermitas con un tema principal, y cuatro más de carácter secundario. Es una obra de gran tamaño,  mide 261 cms de alto por 192,5 de ancho.

Las escenas se desarrollan en un paisaje de sierra, posiblemente Guadarrama, el típico paisaje velazqueño. En este paisaje predominan los colores fríos en el fondo, que dan sensación de espiritualidad, Más cálidos en la escena principal, es el calor de la oración y la amistad. En esta escena principal aparecen los dos eremitas, san Pablo con túnica clara y san Antón con hábito marrón y capa negra de los hospitalarios de san Antonio. En esta escena se puede ver a san Pablo dando gracias y a san Antonio sorprendido de que el cuervo aparezca  con una hogaza de pan.

En el cuadro se pueden ver cuatro escenas más. En dos de ellas, representadas al fondo, san Antonio Abad, pregunta por el camino a seguir a un fauno primero y después a un sátiro. En una tercera, san Antonio llama a la puerta  de la cueva de san Pablo.

 

En la última escena aparecen san Pablo muerto, san Antonio rezando por él y dos leones, que son los encargados de cavar la tumba.

Estas dos figuras han sido representadas innumerables veces. A Pablo de Tebas, como modelo de oración y paciencia. 

San Pablo. José de Ribera

San Pablo. Mattia Preti. Museo Cataluña

 San Antonio Abad, como protector de los animales, pero también se le considera patrono del ergotismo y cualquier enfermedad de la piel.
Ha sido muy representado por todos los artistas y de todas las épocas, sufriendo numerosas tentaciones sobre la lujuria, poder y riqueza.

 El Bosco. Museo del Prado

Teniers. Museo del Prado

Dali. Museo del autor en Figueras

Max Ernst. Museo de Lehmbruck

Diego Rivera. Museo Nacional de Arte.
Ciudad de Mexico

Si hemos empezado la entrada con una escultura de san Antonio Abad, obra de Fernando Ortiz, acabemos con otra escultura de san Antonio Abad de Juan de Juni del Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

YO SIGO EN CASA. 55 - San Isicio y San Isidro. No confundir.

Imagen de Andalucía Informacióm

Hace diez años, concretamente el 13/05/2010, Andalucía Información publicó una página dedicada a la Fiesta de San Isicio en Cazorla, información detallada y correcta, pero cometieron un error, la imagen incorporada no era de San Isicio, era san Isidro arrodillado, mientras al fondo  los bueyes labran, guiados por el Ángel.

Aclarado el error paso a informar de San Isicio y San Isidro y sus representaciones artísticas.

San Isicio. 

Pedro y Pablo enviaron a la Bética romana a siete discípulos suyos: Torcuato, que se quedó en Acci, actual Guadix. Tesifonte, en Vergi, la actual Berja.  Indalecio, en Urci, se duda de su enclave actual, se piensa que puede estar próximo a Almería. Segundo, a Abula, ¿la actual Ávila? Eufrasio, en Iliturgi, actual Andújar. Cecilio, en Elvira,  Granada. Por último Isicio, a Carcesi, nuestra Cazorla.

Son los Siete Varones Apostólicos. Los siete patronos de sus ciudades respectivas.

Desconozco el autor de la talla de San Isicio, si algún cazorleño me ayuda, se lo agradeceré. Aquí tenemos a San Isicio por las calles de Cazorla y asomándose a su ciudad desde el lugar de la lapidación.

 

Según la tradición fue lapidado en un lugar llamado la Pedriza, donde hoy se erige su ermita, con muy buenas vistas sobre la ciudad de Cazorla.

 

San Isicio es patrón de Cazorla. Se le atribuye que la ciudad fue liberada de una grave epidemia de peste en 1535. Desde entonces se celebran en su honor las Fiestas de San Isicio el 14 y 15 de mayo.  Son célebres las caracoladas cazorleñas, todo el pueblo enciende por la noche especie de candiles hechos con una caracola con aceite y su "torcía" correspondiente.

Si nos libró de la peste, pidámosle que nos libere del maldito coronavirus.

La coincidencia en la fecha de su festividad y el parecido en el nombre, hacen que cualquier error sea factible y perdonable.

San Isidro. 

Todos lo conocemos como el Santo Labrador que además de patrón de la Villa y Corte, se le considera patrón de los labradores. Raro es el pueblo, de predominio agrícola, que no celebre la festividad de San Isidro el 15 de mayo.

San Isidro. Francisco Salzillo-

Nació en Madrid en 1082, cuando aún estaba ocupado por los musulmanes, por lo tanto nació como cristiano mozárabe. Era un jornalero que trabajaba para la familia de Juan Vargas. Su profesión la de zahorí. Y como tal se le representa la mayor parte de las veces, encontrando agua en los lugares más yermos.

En Torrelaguna conoció a María Toribia, que era natural de Uceda. Será un matrimonio humilde y dado a la devoción. Isidro fue beatificado por el Papa Paulo V en 1619 y canonizado en 1622 por el Papa Gregorio XV.

María Toribia, su esposa, fue beatificada en 1697 por el Papa Inocencio XII y canonizada en 1752, por el Papa Benedicto XIV, con la advocación de Santa María de la Cabeza.

Ambos, tuvieron un hijo  de nombre Illán y protagonista de unos de los milagros atribuidos a San Isidro, el Milagro del Pozo, representado por Alonso Cano y que se encuentra en el Museo del Prado.

Illán niño, cae a un pozo, la madre pide a su marido que, como buen conocedor del agua, haga algo. Isidro reza y el agua del pozo comienza a subir hasta recuperar al niño sano y salvo.

Juan Alonso de Villabrille,  los representas, en sendos templetes, en el famoso Puente de Toledo sobre el Manzanares.

El 16 de diciembre de 1960, el Papa Juan XXIII, por la Bula "Agri Culturam", lo proclama Patrono de los Agricultores y Campesinos Españoles. Proclamación tardía, pues era fiesta y patronazgo que se celebra desde muy antaño.

Las fiestas de San Isidro en Madrid fue motivo para muchas representaciones del gran Francisco de Goya y Lucientes. 

SIGO EN CASA. 53 - George de la Tour

Nuestro Museo del Prado, tiene  dos bellas obras del autor de hoy.

Ciego tocando la zanfonía y San Jerónimo leyendo una carta.

Ambas son obras recientes del museo. La primera fue adquirida en una subasta en 1986, gracias al esfuerzo de Juan José Luna, fallecido el 30 de marzo pasado. La segunda descubierta en 2005 en la sede central del Instituto Cervantes de Madrid. El Ministerio de Asuntos Sociales la pasó en depósito al Prado.

El Museo del Prado presentó, del 23 de febrero, al de 12 junio de 2016, una gran exposición sobre George de la Tour. Estuvo comisariada por el doctor Andrés Úbeda de los Cobos y a lo largo del tiempo que duró la exposición, se impartieron conferencias sobre el pintor y su obra. El propio Comisario impartió una de ellas, así como Dimitri Salmon, Colaborador Científico de Conservación del departamento de pintura del Louvre; Juan José Luna (d.e.p), historiador de Arte, Conservador de Pintura Francesa y  Jean Pierre Cuzin, profesor de Arte y Conservador de Museos Nacionales franceses.

George de la Tour nace en Vic-sur-Seille en 1593. Se supone que se formó en Nancy, capital de Lorena.  Pudo viajar a Italia y Flandes, aunque nada se sabe.
En 1620, está bien situado en Luneville por su matrimonio con Diana Le Nerf, hija del tesorero del Duque de Lorena. Monta taller y acogió un primer aprendiz. De 1625 a 1630, son años de prosperidad. Su taller se hace cada vez más grande con más aprendices. Su estilo comienza a evolucionar y la luz lo domina y la domina. 

Los años treinta, son años de epidemias  y guerras, la más conocida La Guerra de los Treinta Años. Saqueos e incendios originan la pérdida de muchas de sus obras. Marcha a París y en algún documento se le menciona como pintor oficial del rey.

Volvió a Lunéville en 1643, donde admitió otro aprendiz. Desde 1646 aparece como asociado con su hijo Étienne. Al año siguiente, un documento relativo al matrimonio de su hijo lo nombra como «pintor dotado de pensión real». En 1648 incorporó otro aprendiz,  Con ocasión de la epidemia de peste, en 1652 murieron el artista y su esposa, así como un criado de la casa. De sus diez hijos solo le sobrevivieron tres: Étienne, Claude y Chrétienne. Étienne ejerció como pintor por un tiempo, pero luego abandonó esa actividad para centrarse en la administración de sus propiedades, y más adelante fue alcalde de Lunéville. Clara señal de prosperidad familiar.

Pese a esa prosperidad, nuestro pintor caerá en el olvido y habrá que esperar al siglo XX y a Exposiciones como la del Prado, para recuperarlo y reconocer su merecido valor.

Comedores de guisantes. Gemägaleri Museos estatales alemanes.

La exposición de 2016 estuvo montada de manera cronológica en tres etapas.

Primera Etapa. Tipos populares.

Son escenas sin fondo, sin paisaje, solamente le interesa al pintor el personaje en sí, sus tristezas, sus miserias, pero con tal realismo, que médicos de hoy día, observando a los personajes, pueden diagnosticar sus enfermedades.

A esta etapa pertenecen Los comedores de guisantes y Riña de músicos. (Observar que lleva en la mano uno de los músicos y lo que le hace al que, se supone que no ve, para comprobar su ceguera).

Riña de músicos. Museo Getty Center de Malibú

Segunda etapa. La reafirmación o la madurez.

A esta etapa pertenecen, entre otras, dos obras muy conocidas, de tipo costumbrista. Sus personajes son rateros, pillos y truhanes. Hay que fijarse en las miradas y las expresiones de estas obras. Lo dicen todo.

La buenaventura. Metropolitan Museum de Nueva York

Es también muy característico en George de la Tour, las repeticiones de una misma obra casi sin variaciones. Habría que decir: encuentra las diferencias. Aquí tenemos uno de los ejemplos.

El tramposo. Museo del Louvre

El tramposo. Museo Kimbell de Texas

Tercera etapa. Los nocturnos

En esta etapa tenemos al puro George de la Tour. Es el representante máximo del Tenebrismo en Francia. Está claro que ha conocido la obra de Caravaggio, pero con una clara diferencia, la luz natural de italiano, aquí se convierte en la luz de una vela. Son escenas nocturnas que producen sorprendentes contrastes de claroscuro. 

Tenemos al pintor que muchos entendidos llaman de religiosidad laica. Sus temas religiosos pueden ser escenas de cualquier familia, no hay ni un solo atisbo que nos de el toque religioso. 

Como a lo largo de toda su obra el espacio no existe, no hay paisajes, no hay arquitecturas, no hay  variedad cromática, pero sus figuras son puros volúmenes.

El sueño de José. Museo de Nantes

En El sueño de José, es el título religioso, pero lo mismo podría ser nieto despertando al abuelo. 

La fuente de luz es una vela, que no se ve, pero su resplandor ilumina la escena con gran naturalidad.

Como ya hemos dicho no hay fondos, la variedad cromática disminuye, pero todo resalta en la obra dotándola de gran profundidad. 

Son las características de esta tercera etapa del artista. Se da en todas las obras. Lo podemos comprobar con las dos siguientes: El recién nacido que también se puede ver como una Sagrada Familia, pero sin José, estaría compuesta por Santa Ana, Jesús y María.

La tercera obra es San José carpintero, una escena familiar donde el padre trabaja y su hijo ilumina la escena. 

                      

Recién nacido. Museo de Rennes

  

En las tres escenas ocurre lo mismo, el foco de luz no está ante nuestros ojos, pero si los reflejos e incluso las transparencias producidas por esa luz, se puede comprobar en el detalle de Jesús iluminando a su padre en el trabajo.

José carpintero. Museo del Louvre

Detalle de la anterior

Otras obras de esta etapa.

Santa Irene cuida a san Sebastián. Louvre

Adoración de los pastores. Museo del Louvre

Job burlado por su mujer. M. Ëpinal de los Vosgos

Mujer de la pulga. Museo Nancy

Una de las últimas obras descubierta de George de la Tour, es el Pago de Impuestos del Museo de L'viv en Ucrania. Una bella composición de un marcado carácter naturalista al estilo de Caravaggio. Todos los que han estudiado la obra se inclinan por pensar que es una obra de sus primeros años.

Pag ode impuestos. Museo de Lviv. Ucrania

Para finalizar un tema que George de la Tour repite y que nunca serás capaz de dilucidar cuál te gusta más. al menos a mí me pasa, se trata de la Magdalena Penitente.

Magdalena Wrightsman. Met. M, Nueva York.

Magdalena de la lamparilla. Louvre

Magdalena Fabius. Nat. G, Washington

ME QUEDO EN CASA. 46 - El Buey desollado. Rembrandt

No pongo como primera imagen la obra a comentar, pues sé que muchos cuando la vieran no abrirían la entrada. Prefiero poner la cara de su autor, Rembrandt van Rijn, en un autorretrato realizado en 1632.

Al hablar de Rembrandt, todo el mundo recuerda la Ronda de la Noche o Lección de Anatomía.

El buey desollado

El buey desollado, del que realizó dos versiones, pienso que es poco conocida incluso se puede considerar una obra rara de este autor, que cultiva principalmente el retrato, la obra religiosa o la de tipo social.

Esta obra se puede incluir dentro de las pinturas de género, como un bodegón más.

También podemos considerarla una pintura costumbrista, como las que hacía Anibale Carracci, y que seguro Rembrandt las conocía o tenía referencia de ellas. Las dos obras muy parecidas en las que nos narra el trabajo en una carnicería. Son obras dentro del clasicismo  de la escuela de Bolonia. La primera se encuentra en el Christ Church Picture Gallery de Oxford; la segunda en el Kimbell Art Museum de Texas.

El buey desollado. Rembrandt. Museo del Louvre

Esta obra ya he dicho que es poco conocida, pero no es muy correcto, pues es una obra que ha sido muy estudiada, analizada y comentada. Óleo sobre madera, firmado y datado en 1655.

Lo analizaremos, en un principio, como un bodegón, pues nos muestra una materia muerta, el buey. Ese buey, es el tema principal, ocupa el centro de la composición y lo resalta a través de la luz con ese potente claroscuro. Los colores dominante, amarillos, ocres, rojizos y toques de rojo fuerte, el rojo de la sangre, sobre el fondo oscuro, muestra un gran naturalismo y producen sensación de texturas fuertes. Perspectiva perfectamente conseguida  con las vigas y el camal en el que aparece el buey colgado.

También lo podemos  analizar como una pintura de género, pues si nos fijamos, al fondo hay una puerta por la que asoma una mujer, con un tratado de luz muy especial, es una luz tenue que viene de fuera y nos permite ver a la mujer que abre la puerta. Esa mujer puede ser la mujer del carnicero, o una empleado que entra a realizar cualquier labor.

Buey desollado. Museo Kimbell de Texas.

En 1643, doce años antes, había realizado una obra sobre el mismo tema,  casi idéntica. El mismo tema, la misma perspectiva, casi la misma luz, también aparece una mujer recogiendo o limpiando. Todo esto ha hecho pensar, que estas dos obras están realizadas como un intento de analizar la incidencia de la luz sobre los objetos. Esto supondría adelantarse doscientos años a los impresionistas.

Si analizamos las pinceladas gruesas de Rembrandt, sobre todo en la obra del Louvre, podemos también decir que son pinceladas de tipo expresionista.

Desde el punto de vista filosófico se puede analizar como un "memento mori", pintura de vanidades. Tema muy barroco y que fue utilizado por nuestro Valdés Leal en sus Postrimerias del Hospital de la Caridad de Sevilla. Desde mi punto de vista particular la obra de Valdés Leal si nos recuerda ese momento.

Rembrandt, hace una gran obra, interpretada como pintura de género propiamente dicha o como un  bodegón, que también es pintura de género.

Salvador Dalí dijo de esta obra: " ...al Louvre hay que ir sólo para ver "Le bouef ecorché" cuya pinceladas se podrían besar".

Esta obra ha sido muy imitada y para muestra sirve un botón. En este caso, son tres: Bacon, Soutine y Chagall.

Francis Bacon

Chaim Soutine